Une collection privée, socle d’une exposition audacieuse

Le Nouveau Musée National de Monaco a déjà accoutumé son public à des expositions fondées sur des collections privées, comme celles de Gilbert Henzor, de la famille Merino ou de Fabrizio Moretti. Mais « Monaco-Alexandrie, le Grand Détour » va plus loin. Pour la première fois, une rétrospective d’une telle envergure s’appuie exclusivement sur une seule collection privée, qualifiée d’ »extraordinaire » et de « vertigineuse » par Camille Morandi elle-même. Cette collection, potentiellement la plus complète au monde à être dédiée à Brauner, permet de retracer l’intégralité de sa carrière, des premières œuvres roumaines aux dernières créations françaises, en passant par les périodes d’exil et de précarité matérielle.

L’exposition s’installe dans une villa, un choix délibéré qui souligne l’intimité et le caractère domestique de la collection. Comme l’explique Camille Morandi :

« Nous avons voulu conserver l’âme du collectionneur, avec ses cadres, ses accrochages, ses singularités. Le visiteur ne se trouve pas face à une exposition muséale classique, mais bien dans un espace où l’art et la vie de Brauner se mêlent, comme s’il pénétrait dans son atelier ou son propre univers. » À ces pièces s’ajoute une dizaine d’objets extra-occidentaux ayant appartenu à Brauner, des artefacts qui dialoguent avec son œuvre et renforcent la dimension rituelle et symbolique de l’accrochage.

Victor Brauner se situe entre prémonitions et résilience créatrice. Né en 1903 en Roumanie dans une famille juive, Victor Brauner a vécu une existence marquée par l’adversité et l’exil. Pogroms, Seconde Guerre mondiale, précarité : rien n’a pourtant entamé sa foi inébranlable en l’art. Pendant son exil à Marseille, où les ressources manquaient cruellement, il a continué de créer, utilisant des matériaux de fortune comme la cire d’abeille pour façonner des objets apotropaïques destinés à conjurer le mauvais sort. Cette résilience témoigne de sa conviction : l’art est acte de survie et de transcendance.

Son œuvre est aussi traversée par une dimension prémonitoire, presque surnaturelle. En 1938, il peint un autoportrait où il se représente avec un œil bandé. Peu après, lors d’une rixe, il perd son œil gauche – un événement qui a scellé sa réputation d’artiste-visionnaire, comme s’il avait pressenti son propre destin. Cet épisode, parmi d’autres, a nourri l’image d’un homme habité par des forces invisibles, un prophète proposant une vision du monde à la fois poétique et dérangeante.

Un langage artistique unique : symboles, pictopoésie et hybridations

Brauner était obsédé par le monde renversé, un motif récurrent dans ses toiles, où les lois de la physique et de la logique semblent suspendues. Il croyait en la puissance des mondes invisibles et des civilisations archaïques, une fascination qui transparaît dans son travail et dans sa propre collection d’objets extra-occidentaux. L’œil, son profil et les animaux – notamment les oiseaux et les poissons – deviennent des leimotivs de son œuvre, des signatures visuelles qui guident le spectateur à travers son univers onirique.

Avec Ilarie Voronca, il invente la pictopoésie, une fusion audacieuse entre peinture et écriture. Ses toiles et dessins intègrent souvent des textes, lettres ou symboles, créant un dialogue constant entre l’image et le mot. Cette approche, qu’il a explorée toute sa vie, révèle son amour pour l’écriture et son désir de dépasser les frontières entre les disciplines. Brauner a également expérimenté une multiplicité de techniques : gravure, sculpture, peinture à l’huile, et surtout le dessin, son médium de prédilection pendant les périodes les plus sombres.

Camille Morandi, qui a consacré deux années à ce projet, souligne :

« Brauner avait un sens aigu de la postérité. Il a méthodiquement conservé ses œuvres, explorant toutes les directions sans jamais renoncer à ses motifs fétiches. Son art nous regarde, littéralement, à travers ses autoportraits, ses yeux perçants, ses animaux hybrides. C’est un univers immédiatement reconnaissable, où chaque détail a une signification. »

L’un des atouts majeurs de cette exposition réside dans sa scénographie, conçue par Christophe Martin. Ce dernier a su transformer la villa en un parcours narratif et sensoriel, où chaque salle, chaque accrochage, chaque jeu de lumière sert à mettre en valeur l’œuvre de Brauner tout en respectant l’esprit de la collection privée.

Les œuvres sont disposées de manière à créer des dialogues visuels entre les différentes périodes de la carrière de l’artiste entre ses thèmes de prédilection et ses innovations techniques. Les objets apotropaïques en cire d’abeille, par exemple, sont mis en scène comme des reliques, tandis que les dessins et archives sont présentés dans des vitrines qui évoquent les cabinets de curiosités. Christophe Martin a également travaillé sur les contrastes de lumière, jouant avec l’obscurité pour souligner le côté mystique et onirique de l’œuvre.

Camille Morandi précise :

« La collaboration avec Christophe Martin a été essentielle. Nous voulions une scénographie qui ne soit pas neutre, mais qui participe à la narration. Les visiteurs doivent sentir qu’ils entrent dans un monde à part, celui de Brauner , un monde où l’art, la magie et la poésie se confondent. »

Un parcours entre chronologie et thématiques